1。学习声乐的条件

　　要学好声乐，必须满足一定的条件，即具备良好的音乐素质，掌握相应的基础音乐知识和技能，具备良好的发声条件。

　　1。音乐品质

　　音乐素质是指一个人在音乐方面的敏锐的听觉、鲜明的节奏感和良好的音乐感觉，也就是我们常说的音高、节奏、音乐性。一个人的音乐素质既有先天因素，也有后天因素，后天因素是主要因素。具有敏锐的音高感、节奏感、音乐感的人，就具备学习音乐的素质。

　　2。音乐基础知识和技能

　　有音乐素质的人想要进一步学习音乐就必须学习音乐方面的基本技能和知识。基本音乐技能包括：视唱练耳、乐理知识、基本键盘乐器。

　　视唱练耳是学习音乐的基础。为了准确地听和视唱音阶、音程、节奏和旋律，你必须学习视唱和视唱。

　　乐理也是学习音乐的基础。只有学习相应的乐理知识，才能唱得准、唱得好。

　　键盘乐器基础：键盘乐器的学习与乐理知识相辅相成。只有具备了一定的键盘基础，才能进行听觉训练和视唱练习。声乐练习和其他练习都离不开键盘乐器。

　　3。语音条件：

　　大多数人认为，要学习唱歌，就必须拥有一副天生的好嗓子。这种说法既正确又片面。天生优美动听的嗓音对于学唱歌来说是一个优势，但拥有好嗓音并不一定就可以。学好声乐，很多成功的歌手在训练前并不会展现出天生优美的嗓音。

　　唱歌和说话的生理条件是完全一样的，但完全在说话的状态下唱歌并不能体现唱歌的艺术特征。因为言语发音是一种潜意识的“自然”发音，而唱歌发声则是一种有意识的“不自然”发音。采用科学的发声方法，有意识地锻炼发声器官，可以从潜意识说话达到有意识控制唱歌、发声的状态。。因此，任何会说话的人，只要具备一定的音乐素质，都可以学唱歌。

　　2。如何学习声乐

　　学习应该包括两个方面：歌唱技巧的学习和声乐基础理论知识的学习。

　　1。学习声乐基础理论

　　要具备一定的歌唱能力，首先要了解发声的生理机制，比如了解歌唱器官的结构、歌唱发声的简单原理、声音的共鸣原理、共鸣腔的划分、运用等。共鸣腔的结构和声带之间的关系，使用共鸣方法等。　　另外，在训练歌唱技巧和技巧时，一定要掌握歌唱的呼吸方法、呼吸的应用、了解呼吸的支点、常用的呼吸练习。学习识别声音的本质、声音的划分，了解美声唱法、民族流行唱法的特点、声音保健等。

　　学习和了解声乐的理论基础可以帮助你练习不盲目，目标明确。另外，看看别人的声乐专着、声乐视频、电视、录音等会给自己带来很大的启发，这对歌唱练习时大有裨益，帮助自己少走弯路。

　　2。向声乐老师学习

　　歌唱是一门技术性和实践性很强的学科。仅凭声乐理论和教学的书面材料来学习和训练声乐是非常困难的。由于文字很难准确地表达歌唱技巧和技巧的内涵，加上个人生理条件、理解和领悟能力的差异，根据书面材料来学习就更困难了。按照书上的方法练习发声、唱歌，并不能判断方法的准确性和音响效果是否正确。这样的练习不仅效果不佳，还可能导致歌唱发音错误。因此，在学习唱歌时，尤其是在初学者阶段，一定要找有经验的声乐老师进行指导，按照老师的方法进行练习，并如实告诉老师自己在练习过程中的经历、困难、收获、感受等，这样老师可以按照您的个人特点，教给学生练习方法，准确率高，见效快。学习时要注意多用脑，少用声音。

　　3。歌唱训练内容

　　声乐训练有完整、科学、系统的训练方法。这包括：

　　1。呼吸训练

　　歌唱呼吸是发声的动力，是歌唱的基础。没有良好的呼吸方法来控制和运用你的感官，你就不可能有优美动听的歌声。所有的发声技巧都离不开呼吸。克拉克在《论呼吸》中辩称：歌手要做的第一件事就是学会正确的呼吸。普利斯曼相信他的《喉头生理学》：呼吸是声音的生命力。中国传统声乐专着中说：“气为声之师，气弱则声细，气浊则声滞，气散则声。”声音将会耗尽。”这也说明了古今中外歌唱家对歌唱中呼吸的重视。中发挥重要作用。

　　学习应该包括两个方面：歌唱技巧的学习和声乐基础理论知识的学习。

如何学习声乐

　　1。学习声乐基础理论

　　要具备一定的歌唱能力，首先要了解发声的生理机制，比如了解歌唱器官的结构、歌唱发声的简单原理、声音的共鸣原理、共鸣腔的划分、运用等。共鸣腔的结构和声带之间的关系，使用共鸣方法等。

　　另外，在训练歌唱技巧和技巧时，一定要掌握歌唱的呼吸方法、呼吸的应用、了解呼吸的支点、常用的呼吸练习。学习识别声音的本质、声音的划分，了解美声唱法、民族流行唱法的特点、声音保健等。

　　学习和了解声乐的理论基础可以帮助你练习不盲目，目标明确。另外，看看别人的声乐专着、声乐视频、电视、录音等会给自己带来很大的启发，这对歌唱练习时大有裨益，帮助自己少走弯路。

　　2。向声乐老师学习

　　歌唱是一门技术性和实践性很强的学科。仅凭声乐理论和教学的书面材料来学习和训练声乐是非常困难的。由于文字很难准确地表达歌唱技巧和技巧的内涵，加上个人生理条件、理解和领悟能力的差异，根据书面材料来学习就更困难了。按照书上的方法练习发声、唱歌，并不能判断方法的准确性和音响效果是否正确。这样的练习不仅效果不佳，还可能导致歌唱发音错误。因此，在学习唱歌时，尤其是在初学者阶段，一定要找有经验的声乐老师进行指导，按照老师的方法进行练习，并如实告诉老师自己在练习过程中的经历、困难、收获、感受等，这样老师可以根据您的需要帮助您。个人特色，教导学生练习方法准确率高、见效快。学习时要注意多用脑，少用声音。

　　1。先练习“单音演奏法”。这种吹法的特点是只用嘴唇对准某个发音孔（上下孔，下同），该吹什么就吹什么，该吸什么就吸什么。。在练习的过程中，你可以找一首简单的歌曲进行适应性体验。当你更熟悉这个练习后，你可以将嘴唇与两个音孔对齐来吹气或吸气。但就口琴的特性而言，嘴里含着两个音孔的效果与含着一个音孔的效果是一模一样的。因此，按照这个流程练习的目的就是能够快速、准确地找到自己想要演奏的音阶。

　　2。当你掌握了单音弹奏方法后（很快，几个小时就可以弹奏一首歌），就可以开始练习“新单音弹奏方法”了。这种技术的特点是比单音演奏方法要好。演奏方法是在嘴里有七个音孔的基础上，用舌头盖住右边的五个音孔，然后弹奏左边剩下的两个音孔。产生的声音与单音演奏方法相同。这是一个基本练习，没有什么可以寻求建议的，如果效率高的话，这个过程大约需要一周的时间。

　　钢琴的声音是一个极其广泛和复杂的主题。本文仅简单介绍声音和技术的一些方面。要想弹好钢琴，还有很多问题需要讨论，比如声音、节奏；音乐表演；不同的风格；不同作曲家的不同作品；以及不同表演者的不同性格。人脉关系和丰富的研究内容。因为钢琴艺术的知识是如此浩瀚，我们需要付出的努力是永无止境的。

　　1。你必须从练习第一个音符开始学会“听”

　　开始学习钢琴的方法有很多。从目前我国的情况来看，段子入门被广泛接受和采用。虽然该节的开头以单个音符为元素，但每个音符的练习都是“落下→手指停止→抬起”。但问题是，大家都在同时修炼断归，但是修炼的方法却截然不同。我觉得需要特别强调的是，练习的正确性一定要通过声音来检验。学生在练习第一段时应该听。当手指接触琴键、琴槌敲击琴弦时，必须听声音是否完全发出；是否有良好的振动和共振；当手指停留在琴键上时，耳朵要倾听声音的持续时间和延长时间，并学会区分好声音和坏声音。在此基础上，让学生明白不好的声音是直接由错误的演奏方法造成的。例如：敲击键盘的声音是由于冲向键盘太高、太用力造成的；声音低沉是由于按键速度过快造成的；而挤压声是钢琴发出声音后，手继续按琴键而产生的。是键盘受力造成的。那么，正确的弹奏方法是手臂自然放松，不要离琴键太远，以物体自然下落的速度触碰琴键。一旦发出声音，您的手就不能再按压琴键。也就是说，声音应该是立即的，所有不必要和多余的动作都应该消除。通过这样的要求，好听的声音应该是明亮、大方、洪亮。教师要要求学生从一开始就学会将正确的动作与正确的声音结合起来，知道听什么、如何听。这样的开始对于以后的钢琴学习会有很大的好处。

　　学生学会逐个听单音后，第二步就是听短曲中各个音之间的联系和倾向，听每组音的声音是否均匀、均匀。均衡。第三部分，当你开始学习两个声音之间的小联系时，你需要听看两个声音之间的声音是否有联系，听看第二个声音是否有小联系，结合重量下降，实现语气的强调。第二音作为尾音与重量结合，声音是否柔和委婉、减弱。第四步，在学习了几个音符的联系和乐句的联系后，要结合句首、句尾、音调、音高、强弱等来听乐句的进行。这句话。　　总之，我们要学会倾听，懂得辨别好声音和坏声音。这是教师和学生的首要任务。这个观念在学钢琴之初一定要树立！

　　2。自然重量的运用和调整是好声音的基础和保证

　　所谓自然重量首先是指手臂的重量，然后是指身体各部位重量的补充和组合。演奏时不使用重量，声音必然会显得单薄、肤浅、缺乏表现力。

　　应该有一个使用和训练重量的过程。首先要学会放下手臂的所有重量，发出饱满而诚实的声音。一般来说，教学中经常提到的“一池到底”是指将重量“放入”键盘，而不是将重量集中在手臂或手腕的某个部位。

　　重量的调整必须以能自由放下重量为前提。键盘的重量应根据音乐所需声音的强弱和厚度而改变。如果声音强，可以结合补充身体元气；如果声音强，可以结合补充身体元气。如果声音很轻、很弱，则重量可以控制在最低限度。例如，只有一根手指的重量也是可以接受的。但需要强调的是，为了声音通透，无论轻重，都是通过指尖“传送”到键盘上的。只有这样，才能将最柔和的声音清晰地传递到音乐厅最后一排观众的耳朵里。

　　综上所述，我这里提出的体重概念包括所有的重量——手臂总重量加上身体可以补充给手臂的总和；它还包括可调整和控制的，甚至是最小的重量。如此大小的重量，通过应用中灵活自然的变化，为我们的声音变化提供了极大的可能。

　　3。指尖的触摸按键一定要“弹到点”

　　我提出了“按点演奏”的概念作为触摸键的概念。我认为这是确保良好音质所必需的。

　　从钢琴的发音特点来看，每个音符无论强弱或粗细都应该有一个最佳的发音点。触键时该点应有多深或多浅，力度应有多大或多小，按键速度有多快或多慢，应根据声音的需要来确定。我们可以确定的是，无论是哪种声音，琴槌敲击琴弦都必须产生声音所需的振动；首先，这种振动无法被抑制，其次，声音一旦产生，无论怎样用力，都无法改变。无论声音多低沉、多持久，都必须在发音的瞬间积蓄力量，使声音尽可能低沉、有益地发出来，这样才有最好的振动和连续性。在声音延续的过程中，我们保持情绪，保持双手稳定，保持琴键上的自然重量。我们将它“保留”在钢琴上，这种感觉是绝对必须的。但只有一件事我们做不到，那就是发音完成后试图用力去改变声音！在钢琴上，我们只能在一瞬间发出我们希望和追求的声音。声音是否拉长是在发音时决定的。所以我认为每个声音的发音点在触键时应该感觉良好，无论声音有多强或多弱。低沉的声音自然会“低沉”地弹奏琴键；触键时声音必须直截了当；歌声必须有最好的共鸣和琴弦的延伸；轻柔的声音必须在触键的过程中找到合适的配合。不要按位置。

　　经常有人问如何学好吉他？如何学好古筝？如何学好钢琴？如何学好鼓...如果你想学好每种乐器，总有一些通用规则。今天我们就简单的聊一下。也许你已经想到了，但没有总结。

　　1。兴趣最重要！

　　这似乎是一个大家都明白的道理，也是大家都提倡的。但有一个问题值得注意。为什么很多孩子一开始对学钢琴很有兴趣，却渐渐失去了兴趣？很多人都会找原因，有的甚至将原因归咎于老师，认为老师的教学有问题。事实真的如此吗？你不妨从自己身上找找原因。刚开始学习的时候，很容易，自然就充满兴趣。但随着学习的进展，难度会不断增加。这个时候，你的努力和进步所能得到的比例就变得越来越不一致。以前练一个小时就能打好，现在练一周就可能会摔跤。你付出了很多努力，但结果却没有想象中的那么好，你难免会失去兴趣。因此，我们要不断地鼓励学习钢琴的人正确认识到这种变化是学习钢琴的必然经历。随着不断的积累，成绩提高了，兴趣往往在这个时候回归。兴趣来源于不断实践的积累和不断突破困难的勇气！

　　2。按时上课，不得随意请假。

　　在学习的过程中，难免会遇到这样那样的事情。很多时候我们都会想，应该请假，下周补回来。这看起来可能不严重，但是对学钢琴肯定有非常不好的影响。尽量不要随意改变上课时间。正常的上课时间是对学习的监督。即使没有新课，老师也会帮助你纠正错误。错误和不良的演奏习惯。

　　3。一步一步来，不要急于求成。

　　学钢琴要一步一步来，不可能一步登顶。我们必须一步一个脚印、一步一个脚印地前进！追求急功近利是靠不住的！基础知识是最重要的。作为专业表演者，我们还需要练习基础知识，更何况我们这些还在学习的人。

　　4。每天练琴，没有突然的惊喜。

　　每天坚持留出一定的时间练琴。时间短一点也没关系。你必须练习钢琴。不要进行突然的练习。两天没练，第三天整个下午都练了。虽然看起来练琴的总时间是一样的，但是结果却是不同的。

　　5。三分教，七分练！

　　师父带你进去，修行看个人。老师再好，也教不了练不好钢琴的学生。不要指望仅仅在上课的时候就能流畅优美地演奏音乐。语文、数学还有作业，更不用说乐器了。学钢琴更多的是靠练习。

　　6。多听、多看、多想。

　　虽然讲了练习的重要性，但是除了练习之外，还需要多听、多看。但在听、看的同时，你必须学会思考。别人是如何演绎这首曲子的，为什么它更有魅力？您自己是如何执行的，有什么区别？你需要思考别人表现得怎么样，你能做得怎么样，如何改进，找到解决的方法和途径。

　　7。坚持！坚持！继续努力吧！

　　没有什么是容易的。所以只要你能坚持下去，你就会赢得最后的胜利。坚持下去，过了一段时间，你会发现你和以前不一样了，你比以前更好了。当你弹得越来越好，学钢琴就不再枯燥，自信就会随之而来，你会为自己的坚持感到自豪。

　　吉他，又译为吉他或六弦竖琴，是一种弹拨乐器，通常有六根弦，形状与小提琴相似。吉他通常被认为是流行音乐、摇滚音乐、蓝调、民歌和弗拉门戈音乐中的主要乐器。在古典音乐领域，吉他常常以独奏或二重奏的形式演奏；当然，在室内乐和管弦乐中，吉他也起着相当大的陪衬作用。

如何从零开始学习吉他

　　方法/步骤

　　1。在吉他上，您用左手按下和弦并用右手演奏。

　　2。吉他弦最细的是第1弦，第1弦到第6弦，最粗的弦依次是第6弦。从调音端开始，琴弦下方的音品为第1品，依次为1品、2品，以此类推。

　　3。吉他标签上的字母和方框代表和声，小黑点教你如何按下琴弦。例如，对于C弦，食指按1品2弦，中指按2品4弦，无名指按2品5弦；例如，F和弦的水平线表示食指按第一品上的整个水平弦，中指按第二品和第三弦，无名指按第二品和第三弦。在第三品和第四弦上，用小指按下第三品和第五弦。

　　4。吉他标签的下半部分显示了如何演奏它。只需查看吉他谱并在演奏时弹奏和弦即可。

　　1。挺拔但不僵硬

　　身体应与键盘中心对齐，座椅应直立但不僵硬。上半身要稍微向前倾斜，但脊柱不要弯曲。背部和肩膀应该放松但不塌陷。

　　2。高度一致

　　将手放在键盘上时，肘部和前臂保持与键盘相同的高度。初学者还可以将手放置在比键盘稍高的位置，体验手臂重量的使用。

　　3。舒适的坐姿

　　坐距是这样的：上半身稍微前倾，手臂自然下垂，左右手肘自然放松并稍微向身体外侧展开，双手可以舒适地放在键盘上;下半身要注意大腿到膝盖的距离。它是倾斜的，膝盖位于钢琴边缘下方。

　　4。自然地放松

　　手形要放松、正直，手指自然弯曲，用指尖的肉垫触碰琴键。五指指尖呈半圆形，掌骨关节自然呈拱形。这就像松松地握住一个圆球，手腕与键盘大致平行，而不是弓形或塌陷。

　　大指的第一关节要稍微弯曲。不要完全压在钥匙上。仅用手指的侧端触摸琴键的边缘。注意四指和小指的伸直。手的基本形状是弧形。拇指用指尖外侧触键，其余四指用指尖肌肉触键。手形的最高点是手掌故事。

　　5。怎么玩

　　（1）断奏：首先，慢慢抬起手腕，放松手下垂，手指自然弯曲，自然落在琴键上方。触键后，手腕会自然下降至与手指同一水平。掌骨得到支撑，指关节得到支撑。其他手指的巩固和放松。

　　(2)连奏：关键是重心的移动。以双音符连奏为例，第一个音符像断奏一样落下，然后轻轻抬起第二根手指，像走路一样转移重心，演奏第二个声音。

　　1。人们欣赏音乐的过程就是情感体验的过程。它既是欣赏者初步体验音乐情感内涵的过程，也是欣赏者自身情感与音乐作品所表现的情感的互动过程。交融和共振的过程。

　　2。这种情感体验，无论对于普通音乐听众还是音乐专家来说，都是欣赏音乐时不可或缺的心理要素。

　　3。音乐欣赏水平的提高离不开大量优秀音乐作品的欣赏实践和基础音乐知识的熟悉和掌握。

　　4。它离不开一定的历史文化知识、相应的生活经历和经历以及美育和艺术教育的培养和提高。

　　5。在音乐种类繁多的当今社会，想要拥有高水平的音乐欣赏水平，拥有一双善于捕捉优美音乐的“耳朵”，就必须注重培养和提高自己的音乐欣赏能力。

　　6。当您的收听音量达到一定水平后，您接下来可以了解不同的音乐类型。首先，你可以从你最喜欢的乐队或歌手开始，了解他们专辑的音乐风格。

　　刚开始学习吉他时，建议买一本书。首先，学习吉他的基本原理，了解吉他的结构，以及基本的吉他演奏方法。您可以报名参加特殊的吉他课程。如果你找到专业的吉他老师来教你，你会学得更好。快点。

　　刚开始学习吉他时，首先应该去乐器店购买一把适合自己的吉他。如果你在网上购买，你可能无法看到吉他的真实品质。尽量不要购买便宜的吉他，因为吉他本身可能存在质量问题。吉他的价格范围非常广泛。刚开始学习时，不需要买特别贵的。中档价格不会影响吉他的音质。等你熟悉了之后就可以调整了。如果经常使用的话，建议购买一把好点的吉他。购买吉他时，先试一下吉他的手感，然后检查吉他的琴弦间距是否使用起来舒适。

　　买了吉他后，先深入了解吉他的乐理，学习吉他的基本节奏，学完后练习和弦，慢慢学习和弦之间的过渡。一般吉他老师在教学时都会要求你先弹吉他，然后再弹声音。学习基础音乐理论。

　　学习吉他最重要的是不断的坚持。只有坚持学习，才能取得进步。在学习的过程中，一定要多思考，改正自己的错误和不足，才能取得更好的进步。

　　吉他的种类很多，有民谣吉他、古典吉他、电吉他等，你可以根据自己的需要进行选择，每天至少练习一小时。大约需要一个月的时间才能熟练。

　　练习时经常发生的情况是手指容易打滑，所以练习时要尽量保护手指。抓伤后需要及时处理，保证不发炎、不留疤痕。如果出现水泡，可以等水泡消失后再练习。另外，如果手指关节疼痛，请先休息后再练习。

　　音乐课程基本理念是指导新音乐课程实施的理论基础。

　　音乐课程最重要、最突出的理念就是“以美学为核心”。因此，首先要为孩子创造一个审美的学习环境，包括听觉和视觉两个方面。这就要求我们上课时要注意声音清晰，老师要有良好的演唱和表演。视觉方面要求我们对音乐教室进行装饰，张贴一些艺术化的音乐肖像和名人，让学生沉浸在音乐之美中，帮助学生进入音乐联想的境界。

　　其次，为学生提供具有审美价值的音乐素材，这是以美学为核心的基础和前提。最后，以审美为核心，使学生在练习音乐时能够遵循一定的审美标准。

　　兴趣是最好的老师，是学生学习音乐的动力。用优美的音乐激发学生的兴趣。那么，什么是优美的音乐呢？我认为根据不同的年龄、不同的受众，小学中低年级的孩子能感受到的音乐是比较直观、简单的，他们喜欢欢快、富有表现力的音乐，特别是短小、生动、生动、有趣的音乐。表现出强烈的兴趣。随着年龄的增长，我逐渐对符合时代潮流、篇幅较长、个性鲜明的音乐产生了兴趣。

　　充分利用并转化学生的兴趣为学习音乐的动力。在引导和培养学生对音乐的兴趣时，必须采用科学的教学方法：

　　1。课堂上变得被动，主动学习。这种强烈的学习动机是学习音乐的前提和保证。

　　2。让孩子多听、多唱，让他们心里有音乐、嘴里有音乐。只有熟悉了，才能真正融入到音乐中。

　　3。学生对课堂的参与是最重要的。对于孩子们来说，练习比听我们讲更有趣。

　　4。表扬最能增强孩子的自信心，随时激发孩子的兴趣。

　　5。孩子生性好动，寓教于乐、游戏化的教学活动更加有趣。

　　6。营造一个充满音乐的环境，让音乐陪伴孩子成长，如：课间、课间、放学后、歌唱会、音乐知识竞赛等播放音乐，充分利用每一刻，让音乐和孩子们通过密切接触，不仅审美能力得到了提高，对音乐的兴趣也得到了稳定和提高。